« La différence entre une bonne et une grande pièce est, qu’après l’expérience d’une grande pièce, nous comprenons un petit mieux pourquoi nous sommes en vie ». Kenneth Tynan
 

Si Kenneth Branagh est aujourd’hui célèbre pour ses adaptations cinématographiques des pièces de Shakespeare, c’est au théâtre qu’il fait ses premières armes de comédien et de metteur en scène. Il fait ses débuts dans l’une des plus prestigieuses écoles dramatiques d’Angleterre : la Royal Academy of Dramatic Art. A sa sortie, en 1982, il ne tarde pas à faire parler de lui, en obtenant le Prix du Meilleur espoir - décerné par les théâtres du West End - pour son premier rôle professionnel dans Another Country, de Julian Mitchell. Par la suite, son rôle dans Henry V, à l'âge de 23 ans, pour la Royal Shakespeare Company, confirme sa toute fraîche renommée de meilleur nouveau talent de la scène britannique. Fort de ces débuts prometteurs, il décide de créer, en 1987, la Renaissance Theatre Company avec laquelle il monte Much Ado about Nothing (Beaucoup de bruit pour rien), Twelfth Night (la Nuit des Rois) et Hamlet.
 

L’interprétation de grands rôles dramatiques nourrit son talent de comédien et l’engage à relever le défi de la mise en scène. Kenneth Branagh puise dans cette expérience théâtrale une énergie et une force considérables pour porter des projets aussi ambitieux que l'adaptation cinématographique d’Henri V ou d’Hamlet. Acteur et réalisateur de talent, il n’en oublie pas moins sa passion première : le théâtre. Elle transparaît autant dans ses adaptations des pièces de Shakespeare que dans des films plus personnels tels que In the bleak Midwinter (Au beau milieu de l’hiver).
 

C’est à tout juste 29 ans, en 1989, que Kenneth Branagh prend le virage du cinéma et réalise son premier film : Henri V. Le film rencontre un grand succès auprès de la critique et du public international. En effet, quarante ans après Laurence Olivier, il reprend le rôle du roi avec un talent inouï et une certaine audace. Son jeu subtil donne toute la mesure de ce roi, rongé par le doute amer de la victoire après le combat. Kenneth Branagh a sidéré toute la profession par la fougue de son interprétation. Ainsi, en France, Gérard Depardieu est le premier séduit par le film et contribue à sa distribution ainsi qu’à celle d’Hamlet, 7 ans plus tard. Son coup d’essai, en tant que réalisateur, est un coup de maître. La mise en scène est originale dès l’introduction de la pièce.
 

En effet, comme le chœur antique des tragédies grecques, un homme habillé de façon moderne intervient au fil de l’histoire pour situer les lieux, les personnages et le contexte. Le film est une fresque populaire qui n’est pas réservée aux seuls initiés de Shakespeare. C’est une formidable réflexion sur le pouvoir et la guerre. Kenneth Branagh filme la guerre dans toute son horreur, avec des plans rapprochés et des ralentis durant les scènes de bataille. Dans Henri V, résonne l’écho sanglant et inutile de la guerre : « Peu savent bien mourir sur un champ de bataille. Comment pourraient-ils se montrer charitables quand seul parle le sang ? ».
 

Pour son deuxième film, Kenneth Branagh délaisse Shakespeare pour un film noir, et, réalise, en 1991, Dead Again. Ce film lui permet une première incursion dans les studios hollywoodiens. Kenneth Branagh surprend tout le monde en partant à Hollywood tourner ce polar noir aux accents hitchcockiens. Les images sont un savoureux mélange de couleurs (pour la partie contemporaine) et de noir et blanc (pour les scènes de vie antérieure). L’histoire est au fond assez simple. Une femme – Emma Thompson - a perdu la mémoire mais a des visions de meurtre. Un homme – Kenneth Branagh - est chargé de retrouver son identité et de découvrir l’objet de ses troubles. L’intrigue raconte comment les âmes sont liées par le destin à travers le temps. Avec ce qui en découle de confusions et d’interactions. Robin Williams, psychiatre exubérant dans le film, l’explique très bien, c’est le « crédit karma : acheter maintenant, payer pour l’éternité » . Grâce à l’hypnose, les personnages et le spectateur avancent pas à pas dans l’intrigue. Des indices sont semés, l’auteur donne de fausses pistes, l’histoire paraît cousue de fil blanc et finalement, l’issue reste agréablement inattendue. Paradoxalement, malgré le joli succès commercial de Dead Again, Kenneth Branagh poursuit son parcours de réalisateur avec une comédie à petit budget : Peter’s Friends (Les Amis de Peter).
 

Peter’s Friends raconte les retrouvailles d’un groupe de 6 amis qui s’est perdu de vue, il y a dix ans, au début des années 80 alors qu’ils avaient une vingtaine d’années. Ce sont d’ailleurs d’incontournables tubes de ces années qui rythment le film et insufflent ce qu’il faut de légèreté aux situations pour qu’elles ne soient pas dramatiques. Dans le film, Peter a hérité d’une immense demeure après la mort récente de son père, il décide de réunir ses amis pour passer le réveillon 1992, ensemble. Passée la joie des retrouvailles, les années qui les ont séparés s’imposent à eux comme une barrière. Une partie des souffrances du passé (récent ou lointain) semble expliquer leurs comportements d’aujourd’hui. Malgré une volonté commune de passer une bonne soirée ensemble, des paroles malheureuses font resurgir de lourdes tensions. Telle une danseuse orientale, la vérité ôte un à un les voiles sur leur vie. Andrew trouve refuge dans l’alcool pour surmonter ses échecs. Maggie cache ses complexes de vieille fille sous de très amples habits. Sarah, sous couvert d’une sexualité débridée, rêve de romantisme. L’un des jumeaux de Roger et Mary est décédé il y a quelques mois. Peter, hôte attentionné, comme les autres, finit par dévoiler sa vérité, quelques minutes seulement avant minuit. Il est séropositif. Cette révélation arrive en fin de film plus comme un constat que comme une conclusion. Les années n’ont épargnées aucun d’eux. Cependant, ils sont réunis pour fêter la venue d’une nouvelle année, et, ils placent en elle tous leurs espoirs. Ce film est un mélange doux-amer sur l’amitié, la joie et la peine. Il nous renvoie, finalement, une image fidèle et familière de la vie.
 

En 1993, le réalisateur retourne à ses premiers amours et adapte une seconde fois Shakespeare au cinéma avec Much Ado About Nothing (Beaucoup de bruit pour rien). Deux mots pourraient qualifier la pièce et le film : comédie et ironie. Deux caractéristiques portées par les deux personnages principaux : Bénédick et Béatrice, formidablement servis par Kenneth Branagh et Emma Thompson. Plus encore que dans Henri V, la langue anglaise révèle son incroyable subtilité. De jeux de mots en joutes verbales, Shakespeare en démontre toute la finesse. Son humour cinglant résonne d’autant mieux qu’il est associé à des sonorités fortes et à quelques jolies rimes. Voir ce film en version française serait un crime, et ce, malgré la vitesse de défilement des sous-titrages, calée sur le débit rapide des acteurs. L’histoire met en scène et en opposition deux couples de personnages, deux duos. D’abord, le couple très jeune et pur : Héro et Claudio, ensuite, le duo/duel de Bénédick et Béatrice, plus âgés.
 

Le premier s’aime et veut se marier. Le deuxième arrive à un âge où le mariage s’impose comme une obligation. Pourtant, ils le refusent en bloc, tous les deux. Bénédick prétend d’ailleurs pouvoir « pâlir de faim, de colère, de maladie, mais jamais d’amour » . C’est le seul point d’accord entre eux. Pour le reste, Bénédick et Béatrice démontrent leur animosité mutuelle lors de réjouissantes parties de ping pong verbal. Il ne s’expriment que par sarcasmes et pointes d’ironie. A tel point que Bénédick dit de son adversaire qu’elle « parle avec des poignards ». Cependant, leurs amis, associé au jeune couple, décident de leur donner une jolie leçon sur l’amour.
 

Leur ruse laisse croire à Bénédick et Béatrice que chacun d’eux est aimé de l’autre. Dès lors, ils changent d’attitude et tentent d’accueillir cet amour malgré leurs prises de positions passées. Si l’histoire semble être centrée sur le mariage entre Héro et Claudio, la force de la pièce – le film le démontre magnifiquement – réside dans la relation tumultueuse entre Bénédick et Béatrice. L’évolution de cette relation tend, en effet, à montrer que l’amour peut transformer une vie. Much Ado About Nothing est un plaisir de chaque instant dans la découverte des personnages et des acteurs ainsi que dans l’histoire et le style shakespearien.
 

La réalisation semble sourire à Kenneth Branagh. Mais cette ascension se ralentit sévèrement avec l'échec de Mary Shelley's Frankenstein (Frankenstein), une des plus grosses productions de l'année 1994. Le film est boudé par les critiques et délaissé par un public américain qui a préféré Entretien avec un vampire, avec Tom Cruise et Brad Pitt, sorti en même temps. Cependant, le film est finalement rentabilisé en distribution mondiale. Visiblement affecté par cet échec, Kenneth Branagh finance lui-même le film suivant, In the bleak Midwinter (Au beau milieu de l’hiver). Pour la première fois, il ne joue pas dans l'un de ses films. In the Bleak Midwinter est une comédie en noir et blanc, très personnelle. En effet, le film montre comment un acteur, sans grand succès ni moyens financiers, arrive à monter Hamlet. Il s’entoure d’acteurs quasiment amateurs, qui plus est, qui ne se connaissent absolument pas. La troupe part pour la campagne et choisit une église abandonnée comme lieu de création et de répétition. Ils ont une dizaine de jours pour se mettre en scène. Si la cohabitation est difficile au début, la troupe devient finalement une véritable famille.
 

Comme dans Peter’s Friends, l'auteur valorise les rapports humains tant dans leurs diversités que dans leurs possibilités d’accomplissement, notamment lorsqu’ils convergent autour d’un projet commun. Le film dénonce également le rapport de force entre création artistique et moyens financiers. Il oppose le milieu du cinéma, visiblement riche et égoïste, à celui du théâtre, pauvre mais chaleureux. Au delà de ce clivage, transparaît le profond amour de Kenneth Branagh pour le théâtre. Dans la tradition des comédies de Woody Allen, le film est une comédie très divertissante servie par d’excellents acteurs.
 

Après ses deux premières adaptations réussies des pièces de Shakespeare, Kenneth Branagh décide, en 1996, de réaliser son rêve, au sens propre du terme. Il adapte Hamlet. A l’âge de 15 ans, confronté à l’interprétation de Derek Jacobi dans la série télé « I, Claudius », Kenneth Branagh est piqué par le virus Hamlet. Première tentative d’acteur, en 1988, lorsque Derek Jacobi le met en scène dans le rôle titre. Kenneth Branagh reconnaît lui-même qu’il manque alors maturité et d’expérience pour rendre toute l’ampleur du rôle. En adaptant Hamlet au cinéma, Kenneth Branagh sait qu’il devra affronter la comparaison avec deux de ces prédécesseurs : Franco Zeffirelli (1990) et Laurence Olivier (1948). Aussi, Kenneth Branagh s’implique, sur le plan professionnel et personnel, de manière très forte. Ses choix sont précis.
 

La mise en scène situe l’intrigue au XIXème siècle, et, deux versions sont présentées (une de 2 heures et une de 4 heures). Kenneth Branagh tient absolument à servir le texte (et l’intrigue) de Shakespeare au mieux. A tel point qu’Hamlet est l'un des « films-événement » de 1996. Il est en grande partie salué par les critiques comme un chef-d'œuvre, mais n’est pas pour autant récompensé aux Oscars. Peu importe, Kenneth Branagh a relevé brillamment le défi. Ce film marque l’apogée de son talent de réalisateur et d’acteur.
 

Le décor est absolument fabuleux. La mise en scène impeccable. Les acteurs extraordinaires. Tout semble à la mesure de l’œuvre. Par son interprétation, Kenneth Branagh nous offre un Hamlet émouvant, torturé et passionné. Sans compter que c’est un plaisir de se délecter de la très célèbre « Il y a quelque chose de pourri au Royaume du Danemark » et de l’universelle « Etre ou ne pas être, telle est la question ». Et puis, on a la surprise d'en découvrir d'autres qui résonnent étrangement dans notre actualité « bushresque » : « La folie des grands ne peut pas rester sans surveillance ». Avec Hamlet, la passion de Kenneth Branagh se livre pure et intacte. « Ce film est simplement l’expression passionnée d’un rêve » (Kenneth Branagh). Après avoir réalisé ce rêve, il lui fut sans doute difficile de reprendre la caméra pour filmer de nouveau. Aussi, Kenneth Branagh s’est consacré depuis à son métier d’acteur. Si on peut regretter le choix d’un ou deux rôles qui n’ont apporté ni risque, ni nouveauté (Wild Wide West) dans sa carrière ; on saluera, en revanche, son interprétation dans Looking for Richard d’Al Pacino, The Gingerbreadman de Robert Altam, La Proposition de Lesli Glatter et Celebrity de Woody Allen. Ces films offrent autant de diversités que d’enrichissements personnels pour le spectateur.
 

Cependant, les rôles qu’il a interprété dans ses propres films demeurent parmi les meilleurs, en autres, parce qu’ils ont une plus grande universalité et envergure. Ainsi, Kenneth Branagh tend à confirmer le vieil adage que l’« on n’est jamais mieux servi que par soi-même ». Aussi, il est récemment repassé derrière la caméra pour une quatrième adaptation d’une œuvre de Shakespeare : Love's Labour's Lost (Peines d'amour perdues). De cette comédie, Kenneth Branagh a fait une adaptation très particulière : une comédie musicale située en 1939. Les classiques des chansons de comédies musicales hollywoodiennes (de Gershwin à Irving Berlin) sont d’ailleurs intégrées au récit. La pièce met en scène, au Royaume de Navarre, un jeune souverain avec trois de ses compagnons qui se sont engagés, lors d’un serment public et solennel, à consacrer les trois prochaines années de leur vie à l’étude.
 

Preuve de leur détermination, ils renoncent à toute frivolité, ne verront aucune femme, jeûneront une fois par semaine et ne dormiront que trois heures par nuit. Le sérieux de l’entreprise est immédiatement mis à l’épreuve par l’arrivée de la princesse de France et de ses demoiselles de compagnie... Cinq ans ont été nécessaires à Kenneth Branagh pour s’éloigner d’Hamlet. Cette nouvelle création surprend le spectateur dans le choix du registre de la comédie musicale. Cependant, très vite, il se prend au jeu de la légèreté et de l’apparente insouciance du genre. Avec ce film, Kenneth Branagh assoie sa qualité d'artiste novateur et non conventionnel dans son interprétation du drame shakespearien.
 

Depuis 15 ans, Kenneth Branagh jongle brillamment avec ses casquettes de comédien, d’acteur et de réalisateur. Il a enchaîné les rôles, et, s’est installé dans le succès en évitant ses pièges. Il a su contourner la routine créative et accompagne son travail de nouvelles idées. Il propose de nouvelles interprétations, tant sur Shakespeare que sur la vie elle-même avec son lot de bonheur, peine et amitiés. Pour conforter son entreprise, il s’est entouré d’acteurs de talent. Comme Woody Allen ou Pedro Almodovar, il a, pour ainsi dire, des acteurs fétiches. On retrouve au générique d’au moins trois de ses films : Emma Thompson, Richard Briers, Patrick Doyle, Brian Blessed, Derek Jacobi...